La littérature française revient à l’honneur avec un auteur qui se veut unique. On lui reconnait une multitude d’œuvres littéraires. De celles-ci, un recueil fera l’objet de notre analyse : poèmes saturniens

Présentation de l’œuvre

Publié chez Alphonse Lemerre en 1866, poèmes saturniens est le premier recueil littéraire de Paul Verlaine, un grand poète français. Il est question ici d’un ensemble d’écrits inspirés de poètes célèbres comme Victor Hugo et Charles Baudelaire. Alors qu’il était encore élève, Paul s’éprit d’amour pour les œuvres de ces auteurs et empruntera chez chacun d’eux, un style bien unique.
À titre illustratif, les écrits de Paul laissent entrevoir le style essentiellement satyrique et le goût pour la provocation propre à Baudelaire. Aussi surprenant que puisse être le choix du titre, l’auteur plonge son œuvre sous la sombre égide de saturne. Il y joue sur les mètres pairs, ceux impairs et surtout sur des rythmes rompus, faisant de son œuvre un univers dense d’émotions diverses.

Structure de l’œuvre

Cette œuvre célèbre de Paul Verlaine  (éditée à compte d’auteur) est composée d’un prologue et d’une pièce liminaire auxquels s’ajoutent 25 différents poèmes divisés en 4 chapitres. On y retrouve également une douzaine de poèmes libres, positionnés à la fin de l’œuvre. Il faut dire que l’auteur s’est beaucoup plus inspiré de Baudelaire que des autres auteurs célèbres. On s’en rend compte rien qu’en lisant le prologue.
Quant-aux 4 chapitres, ils portent tous des titres qui annoncent un contenu bien sombre et qui sort de l’ordinaire. Ces titres sont : Melancolia, Eaux-fortes, Paysages tristes et Caprices. Tous ces 4 titres font allusion à de célèbres peintures, preuve du souhait de l’auteur d’offrir un mélange d’arts à ses lecteurs à travers la poésie.

Des thématiques empreintes de tristesse

Tous les poèmes du recueil portent sur des thématiques assez particulières et qui conditionnent les relations humaines. Il s’agit entre autres de la mélancolie, du temps, de l’amour, de la bourgeoisie et surtout de la musique. Par ailleurs, dans tous les poèmes de recueil, on sent la présence d’une forte mélancolie. Cela pourrait s’expliquer par la personnalité assez solitaire reconnue autrefois à l’auteur. Il ne manque pas d’ailleurs de faire part de ses états d’âmes sombres et de ses nostalgies dans les textes.

Le dormeur du val est une série de strophes constituant un sonnet écrit par Arthur Rimbaud en 1870. Ce poème fait partie du second poème tiré de son œuvre le « Cahier de Douai ». On peut en tirer quelques idées claires à propos du texte en se penchant sur les vers.

Un reflet de sa jeunesse

Cette œuvre fait partie des poèmes les plus célèbres du poète. On a à faire à un  sonnet façonné d’alexandrins avec un mélange de rimes régulières et croisées. On retrouve cette façon d’écrire dans certaines œuvres de Charles Baudelaire.

Par ailleurs, l’engagement, la volonté de l’auteur de décrier les maux de son époque, alors qu’il n’a que 16 ans se dégage du poème. La guerre franco-prussienne de 1870 fait rage en Europe, si bien que Rimbaud en est profondément affecté surtout avec la bataille de Sedan.

L’histoire raconte que la France est sortie perdante à l’issue de cette bataille. Et le jeune Rimbaud en fut témoin, de son village de Charlevilles. De nombreux soldats Français sont exécutés par le camp adverse, parfois grièvement blessés  au milieu de la campagne. Par contre, nul ne sait s’il avait assisté à la tuerie, où s’il s’était réfugié avec ses parents.

La nature omniprésente

Le paysage, les chants d’oiseaux, le souffle du vent,  tous ces éléments  exprimés par la force des mots démontrent à suffisance la beauté de la poésie. Dans ce sonnet par exemple, l’auteur évoque la verdure, la montagne, la rivière qui ruisselle, les oiseaux qui chantent. Tout ceci surenchérit par les verbes d’action sublime le poème et accroche le lecteur.
En effet, Rimbaud vit au milieu d’un paysage naturel vivifiant, serein et équilibré. Il décrit la nature apaisante dans les vers 1 et 2.

Mais cette nature protectrice qui constitue un refuge pour lui est souillé par la guerre des hommes. Le sang qui coule lui est fortement désagréable. A travers ses mots, on peut ressentir sa peine profonde. Voilà pourquoi il ne manque pas dans ce sonnet  de relater le cas d’un soldat blessé, bercé par le vent, allongé sur « son lit vert ». Un calme trompeur qui peut vouloir évoquer la mort.

Le Japon est un pays extraordinaire qui se démarque de toutes les destinations touristiques. Il est riche d’histoires et de traditions. La culture, la littérature ne sont pas en reste dans ce beau pays.  Connaissez-vous le fameux  haïku japonais  ? Tour d’horizon d’un art presque méconnu.

Qu’est-ce que le haïku dans la culture japonaise ?

Selon la culture occidentale, le haïku est un art poétique court apparu vers la fin du 17ème siècle. Il est utilisé afin d’extérioriser les émotions qui ne peuvent être résumées en un seul mot. Depuis toujours, le haïku est un poème composé de 3 vers. Le premier vers doit obligatoirement comporter 5 syllabes afin de reconstituer le rythme court. Le second vers, quant à lui, est constitué de 7 syllabes afin de gagner un rythme long. Afin de fidéliser la tradition, le troisième vers doit obligatoirement comporter 5 syllabes.

La spécificité du haïku

Comparé à d’autres formes de poème, le haïku est affranchi de toute sorte de rimes. Afin de créer un effet de surprise et juxtaposer les idées, le poète peut utiliser une césure ou « kirenji » dans la culture occidentale. D’ailleurs, le haïku doit comporter un mot de saison ou « kigo » (dans la langue japonaise). Ce dernier sert à relier la réalité et le monde de la fantaisie.

L’objectif du haïku

C’est une forme d’art qui consiste à capturer l’instant présent dans des mots brefs et concis. En général, il favorise et développe le lien social entre les habitants. Grâce à un esprit pacifique, bienveillant et zen, il améliore le sens de l’écoute de chacun.

En quoi consiste le « kigo » ?

N’oubliez pas que c’est l’un des traits spécifiques de ce poème court. Il sert à figer le temps et a recréé, à chaque lecture, les conditions météorologiques externes. Pour désigner l’hiver, par exemple, les poètes utilisent les mots : neige, glaciale, verglas, décoration de Noël et tant d’autres. Pour marquer le printemps, on peut utiliser les thermes : bourgeons, fleurs, soleil, ciel bleu et autres critères

“Les proses de la clairvoyance” est une chanson que j’ai écrit et chanté sous forme de slam. C’est un titre extrait de mon E.P. « L’ÉVEIL » paru en juin 2019. Notre monde est peut-être déjà perdu, noyé dans mes pensées, je m’interroge. L’idée est de vous amène avec moi dans les profondeurs de la pensée. En m’écoutant fredonner, vous trouverez peut être votre chemin ou de l’apaisement dans ce monde énigmatique, où nous sommes nombreux à penser en silence.

« L’âme s’abreuve de son être, … se plaît de ses propres chansons »

J’ai choisi le slam pour traiter les sujets  (préjugés, injustices, amour, souffrance …) qui me tiennent à cœur. Le choix de la musique n’est pas anodin. Elle est rythmée, pour vous entraîner sereinement à l’écoute de votre environnement. Quand on se livre à la poésie, la poésie se livre à nous, et la clairvoyance devient une évidence.

La Nature nous « imprègne de toutes sortes d’odeurs »

Inspiré par certaines figures emblématiques de la littérature pour qui, la Nature évoquait l’évasion et la femme ; je commence mon écrit par l’évocation de celle-ci. (« les steppes et leurs coiffes fleuries, les rivières écumantes, … »). Cela me permet de mettre l’oreille attentive dans l’ambiance et d’introduire le début tumultueux de l’histoire.

La musique et les mots permettent l’éveil et la reconstruction de l’âme.
Mon texte est accompagné d’une mélodie douce qui apaise et permet l’introspection. Le son peut dont être utile aux adeptes de la méditation. De même, il permet de se poser et de réfléchir sur nous-même, sur notre souffrance et sur la société dans laquelle on vit (« On ne vit pas que de rêve, on en meurt aussi. Les préjugés, les injustices nous désolent. Malgré tout, la vie continue. »)

Les mots utilisés sont tous choisi avec soin et certains permettent d’évoquer le double sens oral de l’expression (Panser la faim fait écho à penser la fin). Les silences entre eux sont tout aussi intenses et essentiels au message transmis. Ils permettent d’écouter et de prendre conscience de chaque vers.

Le message du texte évolue au fur et à mesure tel le temps qui passe dans nos vies. Il permet de lâcher prise sur le passé afin d’aller de l’avant. (« Repose-toi de ta colère, ne retiens pas la main qui t’échappe. Laisse courir tes craintes. La bonté du cœur restaure tout avec le temps »)

Si mon poème vous a plu et vous a touché, vous pouvez le retrouver sur toutes les plateformes de téléchargement comme Amazon Mucic, Sportify ou Itunes. Vous pourrez aussi découvrir, écouter un extrait et même télécharger mes autres titres de mon E.P “L’ÉVEIL”.

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Victor Hugo, homme de lettres français du XIXe siècle, écrit un jour ces mots : “ “Si le poète doit choisir dans les choses (et il le doit), ce n’est pas le beau, mais le caractéristique.“. Il semblait alors questionner la question de la subjectivité du cinquième art. Faut-il toujours enjoliver les choses, ou se restreindre à la réalité crue ?

La réalité et l’art

Victor Hugo et la subjectivité
Dans cette citation, Victor Hugo montre que le poète, homme de lettres, ne peut se permettre de toujours embellir chaque situation. Ainsi, dans une situation teintée de désespoir et de souffrance, le créateur ne doit pas rendre la douleur plus belle qu’elle ne l’est réellement. C’est la fonction du poète ; Baudelaire en avait déjà fait état autrefois, qualifiant ce rôle de “phare“, celui qui montre la voie. En mentant -ou même en omettant la laideur de certaines choses-, Victor Hugo estime que le poète ne ferait pas bon usage de ses pouvoirs.

Ces mots, tirés du préface de Cromwell, un drame et une des œuvres théâtrales les moins bien connues du poète français. remplit à la fois l’emploi de prévenir le lecteur sur ce qu’il va découvrir (Cromwell étant le récit d’une succession d’échecs, à la fois humains et politiques) et de le moraliser ; il n’est jamais bon de bien enrober les événements sous de beaux mots.

Art poétique et subjectivité

La poésie est souvent perçue comme onirique ; à tort. Bien qu’elle soit pleine de sonorités réconfortantes, l’esquisse poétique dépeint aussi parfois la tristesse d’une âme. Le Dormeur du Val d’Arthur Rimbaud en est l’une des preuves. De même, ce sonnet, décrivant le corps, que l’on pense de prime abord endormi, d’un soldat dans une vallée, révèle dans ses dernières syllabes que l’homme est en réalité mort.

Aussi, s’il convient de ne pas choquer les mœurs en adoptant un langage plus romancé. Relater l’existence uniquement dans ses facettes positives est toxique. De ce fait, le poète, en adoptant ce biais utopique, fausse la lecture de ceux qu’il abreuve de ses paroles. Il est un guide, un pionnier : donner une rousse faussée à ceux qui le suivent pourrait être fatal. C’est ici ce que Victor Hugo voulait dire : il est beau d’utiliser de magnifiques mots pour décorer ses textes, les rendre plus joyeux, plus chimériques ; toutefois, il est nécessaire parfois de relater la vérité crue

Art millénaire, emprunté d’histoire, la poésie berce nos siècles depuis l’Antiquité.

Un moyen d’expression

Elle permet de s’exprimer sur nos sens et leur rapport à notre environnement. Lors d’événements marquants, elle permet la mise en lumière de sentiments forts comme le deuil, la colère, la peur ou la joie. Cette fonction d’expression est présente à toutes les époques, du poète célèbre Orphée à Gérard de Nerval et jusqu’à nos contemporains. Le « Spleen » de Baudelaire écrit en 1857 en est l’exemple même, puisqu’ il devient universel par l’expression personnelle du poète.

Un outil de dénonciation

Loin d’être uniquement un moyen d’expression, cet art peut être un outil de dénonciation. Les oeuvre poétiques engagées sont principalement liées à la politique, se rattachant à des causes réelles contre l’injustice et l’horreur d’une époque. Le 20e siècle connaît un essor d’un écriture engagée, notamment avec Paul Eluard, figure du surréalisme.

Célébrer et faire l’éloge

La célébration s’inscrit aussi dans plusieurs œuvres poétiques. C’est « l’éloge » ou le « poème épidictique ». Rendant hommage à des thèmes variés tel que l’amour, le courage ou la solidarité, ce type de poème tente de représenter un sujet sous son plus beau jour.

Révéler le non visible

Un point fascinant se trouve dans les possibilités de ce genre littéraire à révéler les énigmes du monde. La quête du sens, c’est la recherche du Graal de ce qu’on ne voit pas. Le poète se place alors en voyant, tentant de percevoir des sensibilités invisibles qu’il est le seul à détenir. Rimbaud présente le poète comme un « Suprême savant », «[…] car il arrive à l’inconnu ».

Incarner la beauté de l’invention

Le poème a aussi pour fonction d’inventer. Les mots peuvent être assemblés, détruits et reconstruits. Certains poètes ont joué de combinaisons infinies, dans l’objectif d’écrire un beau texte. La laideur du monde se transforme en beauté par sa plume. Pour Mallarmé, « ce n’est point avec des idées qu’on fait des vers c’est avec des mots »

La poésie est perçue comme un genre littéraire ancien. En général, il vous fait naviguer à travers d’innombrables sensations. Sachez que les spécificités et les caractéristiques du genre poétique ont été approfondies pour la première fois par le célèbre Gérard Genette.

Les spécificités du genre poétique

Étymologiquement, le genre poétique désigne les mots « création » et « production ». Conformément à cette définition, le poète a comme mission la création et l’invention d’un univers paradoxal. Pour ce faire, il utilise des mots significatifs qui peuvent connoter plusieurs réalités.
Selon Gérard Genette, la poéticité d’un texte réside dans sa faculté de figer un instant axé dans le temps. L’auteur peut utiliser diverses procédures pour exprimer un message ou un ressenti.

Les caractéristiques du genre poétique

Sachez que le mode de conception du genre poétique varie en fonction des auteurs. Jusqu’à présent, on a pu dégager cinq formes de discours qui peuvent être intégrées dans un poème.

• La narration
  Les lignes d’un poème peuvent raconter une histoire d’amour, un fait divers ou autres. C’est grâce à l’association de la narration et des vers qu’est née la « poésie en prose ». Sa définition fut amplifiée à mainte reprise dans les œuvres de Molière.
• La description
  C’est un style de discours que vous pouvez fréquemment retrouver à travers les œuvres de Victor Hugo. Son intitulé « Les Fleurs du mal », fait office de plusieurs poèmes à description.
• L’explication                                                                                                                                                                    Certains auteurs l’utilisent afin d’expliquer le dénouement d’un sentiment, ses origines et sa fin.
• L’argumentation                                                                                                                                                                         A priori, il sert à amplifier les effets du poème.
• Le dialogue                                                                                                                                                                              C’est une procédure très pratiquée vers le milieu du 18e siècle.

Outre ces procédures de conception, le genre poétique joue sur le rythme et la sonorité. Afin de figer un instant précis dans le temps, le poète utilise les onomatopées.

Les diverses formes d’un poème

Les éminents écrivains se servaient du sonnet pour exprimer son ressenti.
Le sonnet
C’est un poème composé de deux quatrains et deux tercets soit un poème de quatorze vers

Figure emblématique de la littérature française du XIXè siècle, Guy de Maupassant conserve sa renommée malgré les années, en partie grâce aux adaptations cinématographiques de ses œuvres. Écrivain, journaliste littéraire et poète français, il reste dans les mémoires, entre autres, par la force réaliste de ses écrits.

Biographie

L’auteur voit le jour au château de Miromesnil dans la ville de Tourville-sur-Arques (Seine Inférieure – aujourd’hui la Seine-Maritime) le 5 août 1850. C’est très jeune qu’il commence à écrire puisque dès l’âge de 13 ans, il s’adonne à la versification. Lors de son entrée au lycée de Rouen, il commencera la poésie. Et côtoiera rapidement Gustave Flaubert, dont il deviendra le disciple. Des vers est un poème connu qu’il écrira en 1880.

En 1859, il décide de prendre la route pour Paris et débuter des études de droit. Malheureusement, la situation politique contrariera ses plans et il décidera de s’enrôler comme volontaire pour la guerre franco-prussienne. Ce n’est qu’à la fin de celle-ci qu’il ira enfin s’installer dans la capitale.

C’est lors de ses diverses expériences professionnelles au ministère de la Marine, puis au ministère de l’Instruction publique, qu’il se penchera de près sur l’écriture de ses œuvres littéraires. Il publiera son premier conte en février 1875.

Il sombrera peu à peu dans le folie et mourra le 6 juillet 1893, à 42 ans.

Thèmes abordés et style d’écriture

Ses écrits sont souvent reliés à sa région natale, la Normandie, ainsi qu’à la guerre et aux femmes. C’est avec beaucoup de pessimisme qu’il raconte ses histoires et avec beaucoup de détails, qu’il rend les événements très réalistes. La richesse des thèmes abordés et les procédés stylistiques de l’auteur font de lui le plus marquant des auteurs de nouvelles du XIXè siècle.

Œuvres célèbres

La carrière de Guy de Maupassant ne durera qu’une dizaine d’années, mais celle-ci lui donnera le temps d’écrire plusieurs romans notables, entre autres Une vie (1883), Bel-Ami (1885), Pierre et Jean (1888), ainsi que divers contes comme Boule de Suif (1880), les Contes de la bécasse (1883) ou Le Horla (1887)

Paul Eluard, de son vrai nom Eugène Grindel naît en 1895 à Sainte-Denis. Provenant d’un milieu aisé, sa santé fragile interrompt ses étude en 1912. Il est soigné dans un sanatorium en Suisse où il restera une année. Il y rencontre un jeune russe Helena Diakonova, dite Gala, qui deviendra sa femme en 1917. Elle lui donne une fille en 1918.

Parcours du poète

Eugène Grindel est mobilisé en décembre 1914. Il passera la majeure partie du conflit au poste d’infirmier militaire. Sa santé fragile l’empêche de servir au front. Jeune homme épris de lecture, il commence à rédiger ses premiers poèmes, en prenant comme pseudonyme le nom de jeune fille de sa grand-mère.

Par ailleurs, ses premiers textes, publiés dès 1918 sont appréciés de l’avant-garde littéraire. Il rencontre Jean Paulhan et correspond avec André Breton. Il commence à fréquenter les poètes et les peintres du mouvement Dada. Puis il rejoint en 1924 le mouvement surréaliste dont Breton a rédigé le Manifeste. Membre actif du mouvement il rédige son premier recueil important aux éditions Gallimard Capitale de la Douleur deux ans plus tard. Il adhère cette année là au Parti communiste nouvellement crée. Il rompt avec Gala en 1931.

Son engagement politique

Pendant l’entre deux-guerre, Eluard alterne création littéraire ( Ralentir Travaux avec Char et Breton en 1930, Les Mains Libres avec Man Ray en 1938) et aussi engagement politique contre la montée du fascisme en Europe. Pendant cette période, le poète français célèbre la beauté des femmes, dont Nusch, sa nouvelle épouse est l’allégorie.

L’invasion de la France en mai 1940 puis l’Occupation l’obligent à mettre la poésie au service de la Résistance française. Son poème connu Liberté puis l’anthologie L’Honneur des poètes publiée en 1943 seront même parachutés par les Alliés. En 1946, Nusch meurt d’une embolie cérébrale, abattant le poète.

Après la guerre, Paul Eluard voyage pour promouvoir la paix à travers le monde. Il participe en 1950 au Congrès mondial pour la paix à Mexico où il rencontre Odette Lemor, sa troisième épouse. L’homme qui n’a de cesse prôné le vivre ensemble, la paix, l’amour, meurt malheureusement en 1952 d’un crise cardiaque.

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